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그는 스트릿 패션과 럭셔리 패션의 경계를 허물었다.
그의 다음 스텝은 미술관 정복이 될수 있을까?
<David Kasnic for The New York Times>
시카고의 지난달 어느 날 아침, 여느때 처럼 전용기를 타고 코첼라에서 열린 D.J. 공연을 마친 패션 디자이너 버질 아블로가 이곳 현대 미술관 지하 작업장으로 성큼성큼 걸어 들어갔다. 그가 금속 의류 진열대를 확인할때 호기심으로 가득한 가진 한 팀의 스텝들이 재빨리 그를 노트북으로 둘러쌌다.
루이비통 남성복의 아트 디렉터이자 인기 있는 스트릿 브랜드 ‘오프-화이트’의 제작자인 아블로는 주문번호와 모노그램으로 된 시제품을 조사하면서 "좋은 시작이라고 말하고 싶습니다”라고 말했다. 그것은 그가 박물관측과 함께 몇 달 동안 작업한 것이었다. 여덟 개의 선반에 그동안 그가 디자인한 옷들을 전시하여 6월 10일 오픈하는 38세의 디자이너의 회고전인 “Virgil Abloh: Figures of Speech,” 에 대한 이야기를 한데 엮었다.
오랫동안 그의 재능은 아주 독창적인 것을 창조하는 것이 아니라 새로운 것을 만들기 위해 기존의 물건을 약 3% 정도 바꾸는 것에 있다고 믿었기 때문에, 아블로는 옷걸이에 자신의 개인적인 손길이 필요하다고 느꼈다.
"내 서명을 남기기 위해 세상을 조정하는 것이고, 정확해야 합니다”라고 그는 자신의 정교한 디자인 전략을 설명했다. 현재 그는 진열대를 완성하기 위한 물건들을 찾았다: 벽에서 돌출해 나온 금속 새장안에 있는 카나리아 노랑색의 안전 설명서가 그것이다.
Rob Tivadar의 맞춤 의류 랙. 랙은 빈 트릴, 파이렉스, 오프-화이트, 루이비통 등 10년 이상된 아블로의 소장품 70여 가지 디자인을 전시할 예정이다. <David Kasnic for The New York Times>
<David Kasnic for The New York Times>
아블로는 철창을 선반에 받쳐들고, 그가 상상했던 것들의 가치를 평가하면서 희미한 수염을 문질렀다. 그곳에는 숙련된 건축가, 그래픽 디자이너도 참석하였다.
잠시 침묵을 지키던 아블로는 만족한 듯 고개를 끄덕였다. 보통 전시의 경우에는 의류가 만들어졌을때의 영감, 문맥 등을 메뉴얼에 적어 전시해 놓곤 한다. 그는 해당 단체에 "그런 식으로는 마치 보관소처럼 보일것 같습니다”라고 말했는데 이곳에는 제작자뿐 아니라 박물관 직원도 여럿 포함되어 있었다. "그건, 그러니까 실제로 쓸 물건이 아니에요. 다만 그 위에 모든 것이 기록되어 있는 것 같은 느낌이 들 뿐이지요."
최근, 그의 전시회를 준비하면서, 아블로는 그의 삶과 경력을 기록하는 것 뿐만 아니라, 자신과 같은 "전통적인" 예술가가 현대 미술관 풍경 속 걸맞는 장소를 평가하는 데에도 몰두해 왔다. 그의 밀라노에 본사를 둔 OFF-WHITE 패션 브랜드는 매출과 ‘감정 분석’을 순위로 바꾸는 "Lyst Index"에 따르면, 2018년 4/4분기 동안 구찌만이 “Hottest" 패션 브랜드로 평가됬다. 그러나 그는 여전히 자신을 예술계의 아웃사이더로 생각하고 있다.
그는 예술 세계가 그의 관행을 검증할 것이라고는 결코 기대하지 않았으며, 많은 면에서 그는 여전히 박물관이 자신과 같은 신세대 창작자들에게 닫혀있고 심지어 적대적인 영역으로 남아있다고 느낀다. 그와 같은 사람들은 검은 터틀넥과 작고 둥근 안경 대신에 베이비 블루 스크린으로 인쇄된 후드와 오렌지색 나이키 던크를 착용한다. 하지만 아블로는 오래 전부터 유산에 관심을 가져왔다. 박물관은 그들이 높이 평가하기로 선택한 그의 모든 문제들에 대해, 여전히 "무슨 일이 일어났는지 기록하고 그것을 평생 동안 표현하기 위한 마음속의 금고"로 존재한다.
"나는 이 작품들이 존경받고 기억되기를 바랍니다."라고 아블로는 MCA 큐레이터인 ‘Michael Darling’과 함께 이 전시회를 위해 자신의 창작물들을 샅샅이 뒤지며 처음 보관하기 시작한 10대 시절을 회상했다. 패션, 음악, 디자인의 모든 분야에서 15년 이상을 아우르는 다양하고 밀도있는 다원적 컬렉션이다.
아블로는 루이비통과의 최근 작품을 통해 예술계 일각에서 그를 알 수 있었을 뿐 아니라, 특히 그 내용의 예술적 전선을 보여주는데 열중하고 있다는 것을 감지한다고 말했다. 즉, 그는 이 쇼에 가능한 한 전통적으로 어떤 아이템이 어떤 브랜드로 표시될 수 있는지의 불협화음과, 어떤 것도 될 수 있는지의 무한한 가능성과 같은 것에 몰두하고 있었다.
Off-White’s Summer/Spring collection, 2014
Louis Vuitton men’s collection, Spring/Summer 2019
버질 아블로의 “You’re Obviously in the Wrong Place,” 2015/19, 박물관 전시 이름 “The Black Gaze.” <Virgil Abloh>
아블로는 “젊은 사람들은 네가 지금까지 만든 텀블러 게시물을 모두 알고 있지만, 오프-화이트도 모르는 사람들에게 내 이름이 계속 언급되고 있다는 사실을 알리기 위해 이 일이 필요합니다"고 말했다. 그는 일리노이주 록포드의 스케이트 펑크에서 건축학 학생, 패션계의 스타, 래퍼 카니예 웨스트의 동료, 프랑스 명품 패션 브랜드의 리더로 임명된 최초의 미국 흑인 남자에 이르기까지 "불가능의 공기"가 있다고 반복해서 말할 것이다.
그와 마찬가지로 이 쇼에는 다양한 예술 분야가 있다.여기에는 보석, 의자, 짐, 드레스, 턴테이블, 그리고 아블로가 웨스트의 크리에이티브 디렉터로 재직하던 시절 디자인한 2013년 래퍼의 "예저스" 앨범 표지의 5피트짜리 플렉시글라스 레크레이션이 있다. 그게 좀 압도적이라면, 글쎄, 갤러리에는 벤치의 두 배나 되는 스케이트보드 경사로가 있다.
지난 3년 동안 아블로가 전시회를 준비하면서, 그는 박물관의 공식 인정을 긍정적으로 보게 되었는데, 그것은 이케아, 에비앙과 협력한 자칭 "상업 디자이너”일 뿐 아니라, 모든 미술관들, 그들의 문화적 진보의 상징인 것이다.
아블로는 어느날 저녁, 멤버들의 모임인 시카고 소호 하우스에서 "시스템이 시대에 뒤떨어진 신호"에 대해 말했다. 그것은 그의 전형적 팬이자 구매자는 종종 전형적인 스트릿 패션을 입는 일용직 밀레니얼들이라는 조롱을 받는다. 아블로는 이런것들을 자신의 예술적 신뢰성에 대한 부담으로 보지 않고 오히려 기회로 보고 있다.
만약 그들이 MCA의 전시회를 보기 위해 처음으로 MCA를 방문한다면, 그것은 그의 세대의 승리이다. "그것은 아이들이 설립자보다 더 잘 알고 있다는 것을 보여준다,"라고 그는 말했다.
전시 기간 동안, "Question Everything?"이라는 문구가 새겨진 검은 깃발이 광장에 세워질 것이다. "streetwear"의 정의는 갤러리 오프닝 섹션에서 두드러지게 특징지어지며 그의 전시회는 그 자체가 예술계 침투의 한 형태라는 아블로의 신념을 불러일으킨다. 그는 너무 오랫동안 "수백만번을 기념한 것에 대한 회고전에 비하여 현재 일어나고 있는 일을 대표하는 문화 기관으로서 박물관의 연결 고리를 잃어버렸다"고 덧붙였다.
시카고 현대미술관 외관의 청사진은 이번 전시회에서 아블로의 'Question Everything Flag, 2018'을 보여준다. <CreditDavid Kasnic for The New York Times>
아블로가 가장 흥분한 전시회의 제목은 "The Black Gaze"이다. 그의 작품들을 보여주는데 있어 그는 결코 그렇게 묘사하지는 않았지만, 지금은 그가 그의 "퀸" 컬렉션의 일환으로 테니스 스타 ‘세레나 윌리엄스’를 위해 나이키와 함께 만든 화려한 검은 발레리나에서 영감을 받은 드레스들, 아프리카 아이들을 주인공으로 한 루이비통 캠페인 사진들, 2016년 ‘오프 화이트’ 런웨이의 네온사인 "Yooo"를 보고 있다.
<Jason Szenes/EPA, via Shutterstock>
건축가 ‘렘 쿨하스’가 설립한 연구 스튜디오인 AMO의 ‘사미르 밴탈’ 소장은 아블로가 이 전시회를 디자인하는 것을 도우며 이 부분을 제안했다. 반탈 소장은 "이 정치적 측면을 감추는 것보다는 좀 더 대담하게 보여주는 것이 흥미로울 것 같았다"고 말했다.
2016년 달링이 전시회 아이디어를 가지고 아블로에게 손을 내밀었을 때, 그의 이름은 패션계에는 매우 이질적이었다. 달링은 "그래서 박물에서 이 전시회에 참석하도록 하는 데 시간이 걸렸다"고 회상했다.
달링의 달콤한 자리에는 2017년 MCA에서 선보인 무라카미 다카시(村 Murakami)를 비롯해 다소 난해한 작가들이 전시돼 있다. 그는 2015년 MCA가 빅토리아 앨버트 박물관에서 열린 '데이비드 보위' 전시회를 개최했을 때 일부 미술 비평가들이 얼마나 큰 불만을 가졌는지를 회상한다. 달링은 "예술 속물"에서부터 아블로의 전시회에 이르기까지 유사한 푸시백(pushback)을 기대한다고 말했다.
큐레이터는 "그것을 보고 콧방귀를 뀌는 사람들이 있을 것"이라고 말했다. "하지만 이것은 나에게 정말 흥미로운 일입니다: 그들이 틀렸다는 것을 증명하고 그가 얼마나 진지하고 가치 있는 사람인지를 보여주고 싶습니다."
달링 씨는 애블로 씨를 열성적이고 실제적인 학생이라고 언급했다. 압로씨와 협력한 사람들은 그가 때때로 그들에게 기대고 있다는 것을 알고 있지만 그들은 거의 개의치 않는다.
무라카미씨는 이메일에 "비르길은 주변의 모든 것을 먹어치우고 그것을 자신의 자양분으로 만드는 창조자의 타입"이라고 썼다. 그는 일본 아티스트가 2007년 웨스트의 앨범 "Graduation"을 디자인했을 때 압로 씨를 처음 만났고, 가고시안 비벌리힐스 갤러리에서 열린 작년 공동 전시회 "America Too"의 디자이너와 협력했다.
나이키의 수석 디자인 책임자인 재럿 레이놀즈는 4년 동안 애블로 씨와 함께 일해왔으며 팀워크에는 거래의 질이 있다고 말했다. 레이놀즈씨는 "우리는 우리의 강점이 유용성과 성능이라는 것을 알고 있지만 버질의 강점은 문화, 통찰력, 미학과의 연관성"이라고 말했다.
MCA 제작진에게 신속한 피드백을 제공하는 버질 아블로, 왼쪽부터 Molly Brandt, Dorothy Lin, Rob Tivadar, Chanon Kenji Praepipatmongkol, Christine Zavesky and Brad Martin <David Kasnic for The New York Times>
‘베스 윌리엄슨’ 시카고 예술연구소 예술사학과 교수는 아블로가 MCA에서 보여준 공연은 예술가와 장소 사이의 공평한 신뢰 교환만큼 위험하지 않다고 말했다.
“저는 이것을 공동 브랜딩의 아이디어에 맞춰갈 것입니다,"라고 그녀는 제안했다. 아블로는 예술계의 승인을 받고, MCA는 "멋진" 혹을 받는다. 물론, 또한 많은 돈을 벌어야 한다: 한정 상품을 가진 맞춤 버질 아블로 상점은 전시회를 통해 MCA에서 오픈 될 것이다. 그리고 아블로가 디자인한 나이키 팝업스토어가 미시간 애비뉴 근처에 문을 열 예정이다.
윌리엄슨은 박물관이 루이비통 같은 명품 브랜드와 제휴한 디자이너를 보여주는 내재적인 역설에 주목했다. "유행, 음악, 더 많은 관람객들에게 더 매력적이고 덜 위협적인 대중적인 작품들을 가지고 박물관을 민주화하는 느낌이 있지만 동시에 가장 엘리트 버전이다."라고 그녀는 말했다.
지난달 어느 아침, 박물관 근처의 공원 벤치에 앉아 빈둥거리는 아블로는 그의 이야기가 현대 미술과 교차하는 곳에 대해 다시 평가하고 있다고 인정했다.
그는 "너무 오랫동안 미술이나 패션의 영역에서 저와 닮은 예술가나 디자이너를 찾지 못했고, 앞으로도 없을것이라고 생각했습니다”라고 말했다. "하지만 지금, 이 순간, 어떻게 보면, 저는 그들의 일부가 된것일 수도 있죠."
출처 : The New York Times / www.nytimes.com