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밀라노 폰다지오네 프라다에서 아티스트 듀오 Elmgreen과 Dragset의 전시회 “Useless Bodies?"가 열린다.
이 전시는 '물리적 존재가 '중심성을 잃거나 심지어 완전히 불필요한' 후기 산업 시대의 인체의 의미를 탐구한다. Elmgreen과 Dragset은 퍼포먼스 및 조소 작품들로 구성된 일련의 몰입형 설치물을 통해 그 복잡한 개념을 탐구했다. 이 모든 작품들은 폰다지오네 프라다 건물 3,000 평방미터에 걸쳐 설치되어 있다.
이 전시회는 관객들로 하여금 우리가 존재하고 운영하는 디지털 영역의 영향 뿐만 아니라 미래에 인체의 역할과 가치가 무엇인지에 대해 질문을 던지도록 한다.
”Useless Bodies?” 전시는 밀라노의 폰다지오네 프라다에서 3월 31일부터 2022년 8월 22일까지 진행된다.
사진 : Andrea Rossetti
제공 : Fondazione Prada
출처 : TRENDLAND
석고, 나무, 아크릴 페인트. 섬유 유리에 옻칠, 용도 변경된 프로젝터 스크린의 오일 파스텔등과 실리콘, 천연 염색 머리. 바로 그의 옷을 생각하면 떠오르는 재료들이다. 10여년 전 은퇴한 패션 디자이너 마틴 마르지엘라는 본인의 퇴임 이유로 업계의 과도한 요구에 대한 불만을 꼽았다. 그는 특이한 재료의 사용, 일상에서 벗어나 물체를 다시 구축하고 의상으로 재구성하는 것으로 유명하다. 이후 마르지엘라는 패션의 경계, 가치, 의미에 대해 끊임없이 의문을 가져왔다.
Martin Margiela / 2021년 데오도란트 마이크로 퍼미티드 비닐 / Courtesy of the artist and Zeno X Gallery, Antwerp. Produced by Lafayette Anticipations.
Martin Margiela / FILM DUST, 2017-2021년, Oil on Microbead 코팅 캔버스 / Courtesy of the artist and Zeno X Gallery, Antwerp. Produced by Lafayette Anticipations.
Martin Margiela / interior, 2021, 벨벳 적층 캔버스에 오일 파스텔, 나무 상자, 폴리우레탄 폼 / Courtesy of the artist and Zeno X Gallery, Antwerp. Produced by Lafayette Anticipations.
Martin Margiela / BUS STOP, 2020, 금속, 더러운 플렉시글라스, 합성 모피 / Courtesy of the artist and Zeno X Gallery, Antwerp. Produced by Lafayette Anticipations.
Martin Margiela / MOLD(S), 2020, 플라스터, 목재 및 아크릴 페인트 / Courtesy of the artist and Zeno X Gallery, Antwerp. Produced by Lafayette Anticipations.
Martin Margiela / RED NAILLS 2019년 섬유질 옻칠 / Courtesy of the artist and Zeno X Gallery, Antwerp. Produced by Lafayette Anticipations.
Martin Margiela / 2021년 모뉴먼트, PVC 방수포 프린트, 빈티지 소파, 오디오 루프 / Courtesy of the artist. Produced by Lafayette Anticipations.
Martin Margiela / VANITAS, 2019, 실리콘과 천연 염색 머리 / Courtesy of the artist and Zeno X Gallery, Antwerp. Produced by Lafayette Anticipations.
전시회에 출품된 마틴의 작품들은 (그의 패션이 한때 그랬듯이) 매우 혁명적이고 흥미진진하다. 10년의 침묵 후, 마침내 그는 개념적이면서도 엄청나게 촉각적인 예술를 통해 대중들과 "접촉"을 했다.
전시장을 구성하는 요소인 드로잉, 그림, 조각, 영화, 설치물들은 하나의 더 큰 예술 작품으로 간주되어야 한다. 각각의 요소들은 마르지엘라의 초기 (패션) 결과물과 일치하는 주제를 이용한다. 경험과 변화, 존재와 부재. 브리콜라주, 다다이즘, 아르테 포베라등…
전시회에서 라빈으로 변신한 마르틴 마르지엘라의 작품 20여 점은, 궁극적으로 "마르지엘라는 처음부터 예술가였고 패션은 단지 그의 창조적인 매체들 중 하나였을 뿐인가?"라는 의문을 남기게 되었다.
출처 : trendland.com
sm;)e북은 전 영국 레이브 DJ이자 현 크리에이티브와 아트 큐레이터인 ‘DB 부르케맘’과 아티스트이자 크리에이티브 디렉터, 그리고 디자이너이기도 한 .리치 브라운’이 큐레이션을 맡은 프로젝트다.
지난 5년 동안, 그들은 현대 문화의 가장 상징적인 심볼 중 하나인 미소 띤 노란 얼굴의 복잡하고 광범위한 역사를 발굴하는 프로젝트를 함께 해왔다. 이를 바탕으로 스마일 페이스가 예술, 음악, 팝, 대안 문화에 미치는 영향을 기념하는 책을 만들기 위해서 이다.
"이 책은 리치 브라운과 나의 삶과 지금도 여전히 재해석되어 창의성을 고무시키고 있는 심볼에 대한 사랑을 보여준다. 그래픽 디자인의 역사상, 긍정적 주류 문화의 상징이자 반문화적 하위 주체로서 동시에 사용되는 이런 심볼은 다시 없을 것이다." 라고 DB Burkeman이 말한다
그들은 킥스타터의 캠페인 페이지를 통해 "스마일 아이콘 그래픽은 거의 60년전부터 사용되왔는데, 1963년 Harvey Ball 보험회사에서 직원들의 사기를 진작시키기 위한 간단한 그래픽 디자인으로 부터 시작되었다. 그 후 할리우드의 그래픽 디자인, 얼터너티브 & 인디 음악, 스케이트보드, 그래피티 문화, 하이&로우 패션, 심지어 파인 아트를 포함한 다양한 매체들에 걸쳐 각각의 모습으로 등장하였다. 그것은 우리의 물리적, 디지털적 우주의 시대정신과 문화적 구조로 짜여졌다." 라고 설명하였다
부차적인 것은 제쳐두고, <The Sm;)e Book>은 우리 시대의 가장 중요한 시각적 커뮤니케이터 몇 명으로부터 노란 스마일 얼굴을 접목한 예술품 모음집이다.
Rich Browd (Left), Paul Insect + BÄST (Right)
DB 부르크만은 말한다."내가 이 글을 쓰는 지금은 최악의 유행병의 한복판에서 인종차별에 대한 제도적 부당성에 항의하는 시위와 폭력이 거리에서 한창이다. 만약 이 아이디오그램의 힘이 작동해야 할 때가 있다면 그것은 바로 지금이다..”
The book includes works by some of the world’s most potent visual communicators, including – Alex Da Corte, Alex Fuller, Alex Trochut, Alfie Steiner, Alicia McCarthy, Anthony Sarcone, Aurel Schmidt, BANKSY, Carlos Valencia, Jake & Dinos Chapman, Chris Alborano, Cody Hudson, Curtis Kulig, DB Burkeman, Derek Gardner, Destroy All Monsters, Eric Elms, Erik Foss, Greg Bogin, IMBUE, INVADER, James Cauty, James Joyce, Jeremy Deller, KATSU, Mark Flood, Matthew Nichols, Misaki Kawai, Norman Cook (a.k.a. Fatboy Slim), Patrick Rocha, Paul Insect + BÄST, Paul Weston, Philip Gerald, Rachel Maclean, Richard Prince, Rich Browd, Rob Pruitt, Ron English, Sadie Benning, Sayre Gomez, SKULLPHONE, Tyrrell Winston, Wolfgang Tillmans, Yung Jake, and 1UP CREW.
출처 : Trendland.com
뭄바이에 본사를 둔 쥬얼리 브랜드 미쇼(MISHO)가 에어팟 착용을 위한 귀걸이를 출시했다.
크리에이티브 디렉터 수하니 파레크(Suhani Parekh)는 미쇼의 이 제품을 '신체를 위한 현대 건축'이라고 표현한다.
형태와 기능성을 결합한 이 귀걸이는 무선 헤드폰을 떨어트리지 않도록 함과 동시에 스타일리쉬함을 만들어 내는 접근 방식에도 혁명을 일으켰다.
Peble Pods, Minimal Active Tiny Pods, Minimal Active Tall Pods 등의 3가지 스타일로 판매되며 MISHO 웹사이트에서 사전 주문할 수 있다. 2016년에 론칭한 이 브랜드는 비욘세, 켄달 제너, 레이디 가가, 릴리 콜린스 같은 셀럽들이 착용해왔다.
로마 출신의 멀티미디어 아티스트이자 일러스트레이터인 ‘발렌티나 바타글리아’는 매우 인상적인 포트폴리오를 가지고 있다. 믹스 미디어 콜라주에서부터 패션 일러스트에 이르기까지, 그녀의 스타일은 그녀만의 독특한 것이고 우리는 그녀의 모델들을 메우 사랑한다.
출처 : Trendland.com
‘디스트릭트’ 에이전시는 서울 코엑스 건물 전면에 새로운 디지털 설치 작품을 공개했다. 이곳은 한국의 타임스퀘어로 불리우며 국내 최초 야외 광고 자유 지역으로 선정되었다.
서울에 본사를 둔 ‘디스트릭트’는 콘텐츠와 디지털 미디어 기술을 모두 통합해 사용자 중심 경험을 창출한다. 회사 건물 로비, 쇼핑몰, 호텔, 테마파크 등 다양한 크기와 모양의 LED 화면에 광고나 대중매체를 위한 예술 콘텐츠를 많이 제작해왔다.
« WAVE »는 80m x 20m 작품으로, 커브 스크린으로 보여지는 화면이 입제적인 공간인 듯 착각을 불러일으킨다. 국내 최대 규모의 고화질 옥외광고 화면안에서 펼쳐지는 거대한 파도의 물결은 진정 압권이다.
출처 : Trendland.com
마스크, 장갑 및 안전 거리… 장벽 제스처의 대포가 옷을 다르게 입도록 격려해 줄 것인가. 우리 옷을 새롭게 단장하는 일부 패션 디자이너와 디자이너들이 물리적 거리 두기 시대에 제안하는 이유다. 하지만, 배니티 페어는 우리에게 "사회적 거리를 두는 도구"로서의 패션이 새로운 것이 아니라는 것을 상기시켜주었는데, 이는 과거의 패션을 트위스트하는 최근의 창조물들이 증명하는 것이다.
바구니 드레스, 모자, 베일, XXL 어깨 패드, 그리고 만약 사회적 거리를 두기 위해 패션이 과거로 돌아간다면? 그렇게 터무니없는 생각은 아니다.
16세기 스페인 궁정에 등장하여 18세기 여성들에게 인기를 끌었던 바구니 드레스의 구조는 대비 효과에 의해 엉덩이를 넓게하며 허리를 더욱 가늘게 보일 수 있게 하였다. 그 기능은 바뀌었지만 다시 조명되고 있다. 오늘날, 자신과 다른 사람들 사이의 거리를 유지하는 것은 더 이상 사회 계층의 지표가 아니라, 건강 보장의 지표가 될 것이다!
벨기에 디자인 회사인 ‘ Livable’은 실제 주변에서 볼법한 편집증을 조롱하는 과장된 래탄 케이지의 최신 버전을 보여주었다.
디자인 스튜디오인 Multipe에서도 남녀를 적당한 거리에 두기 위해 원래 입었던 옷인 크리놀린 스커트를 재해석하고 있다.
Area and Puppets and Puppets, 두 개의 뉴욕 디자인 스튜디오에서 또한 바구니 드레스와 "힙 라인의 크기가 도드라진 다른 작품들"을 선보였다.
유명 스타들의 결혼식, 전통 의식, 모자, 베일 등이 최신식으로 소개되고 있으며, 특히 얼굴을 튤레나 라이크라로 뒤덮은 메종 마르지엘라에서는 바이러스에 대한 이러한 효과를 경계하고 있다. 하지만 결국 패션이다.
이탈리아 의상 디자이너 베로니카 토피노의 작업장에서, 모자는 큰 알루미늄 구조로 변형되어, 별다른 노력 없이도 물리적 거리를 두는 규칙을 지킬 수 있다.
80년대의 잔재가 패션계에 다시 등장하고 있다. 일본 브랜드 꼼데 가르송에서는 헐렁한 재킷위에 외피와 프릴로 강한 볼륨을 만들었다.
추천 : Trendland.com
크로와상, 하리보 패키지 팬츠, 시리얼 백 또는 빈티지 조끼 등 어느 것이든, 니콜은 자신이 찾은 모든 것을 재활용하여 브랜드 이미지와 패션에 대한 근원적인 질문을 던지는 독창적인 컬렉션을 만들어낸다. 그녀의 작품들 중 일부는 실제로 착용할 수 있는 것들이다! 그녀는 오프닝 세리머니, 프라다, 리복과 같은 브랜드들과 다양한 협업을 진행했었다.
그녀는 환경을 존중하면서 크리에이티브를 이어가려는 자신의 의도를 다음과 같이 설명한다.
"예전에는 중고 가게에 가서 뭔가 새로운 것을 만들어 낼 수 있는 소재를 찾으려고 노력했었다. 이런 제품들은 나에게 더욱 지속가능한 철학을 만들어주었고, 나는 디자이너로서 나의 실천에 지속가능한 발전을 채택했다. 왜냐하면 이런 소재들로 할 작업들이 무궁무진하기 때문이다.
출처 : trendland.com
새로운 자기를 표현할 수 있는 놀이터인 LELA와 함께 미래에 온 여러분들을 환영한다. ‘The Fabricant’의 이 디지털 프로젝트는 여러분이 선택한 어떤 사람이든 될 수 있고, 자신의 아바타를 만들며 디지털 패션의 가상 세계에서 여러분의 여러 자아를 자유롭게 만들 수 있다.
이 시스템을 사용하는 것은 꽤 쉽다. 디지털 아바타를 만들기 위해 자신의 얼굴 사진을 찍고, 다음 단계로 넘어가 외형을 고르고, 스타일을 공유한다. 그들의 출시를 위해, 최근 Fabricant의 디지털 쿠튀르 컬렉션인 FLUID를 선보였다. 유체가 되는 것은 자유롭고, 다양한 형태와 의미를 가질 수 있는 무한한 가능성을 열어두고 있는 것이다. 당신은 오늘 누가 되고 싶은지 이곳을 탐험해 보자.
출처 : trendland.com
‘파리나 스페셜’은 스펠트, 귀리, 메밀을 포함한 특별한 곡물 가루 타입을 판매하는 브랜드다. Studio Size가 디자인한 초현대적인 포장으로 각 곡물 가루의 퀄리티가 굵은 타이포그래피와 다양한 파스텔 색조로 돋보였다.
식품업계의 디자인 규약에 이의를 제기하는 이 모던한 프로젝트는 가장 기본적인 필수품인 제품들이 가장 멋져 보일 수 있다는 것을 증명한다.
출처 : trendland.com
디테일한 제조 작업은 디에고 파이버의 프로젝트로 우리가 어떤 물체를 만드는 전통적인 방식에 도전한다. 돈과 시간에 대한 집착과 자기표현 부족에 대한 대응이다
‘Minute Manufacturing’은 사실 시시각각 새로운 물체를 만드는 생산 시스템이다. 비용은 '디에고 코인즈'로 측정된다: 모든 디에고 코인은 1유로에 상당하며, 생산 시간의 1분의 가치가 있다.
디에고 파이버는 판지 튜브, 플라스틱 상자, 가죽 스트립과 같은 산업 폐기물을 사용하여 그의 제품들을 만든다. 그는 각 오브젝트에 점토로 화려한 '디에고 반죽'을 덮는다.
Minute Manufacturing 시스템에서 생산 시간은 실제로 돈이며, 소요된 분량은 모든 사물의 품질과 설계에 영향을 미친다.
‘Minute Manufacturing’ 프로젝트는 어떻게 생각하게 되었는가?
나는 끊임없는 시간에 대한 강박관념이 있다. 예를 들어 어머니가 파이를 요리하고 새로운 요리법을 만들 때, 아버지는 그것을 더 빠르고 정확하게 같은 요리법을 재현할 것이고 마침내 25분짜리 파이가 될 것이다. 나는 효율성이 지배하는 환경에서 자랐지만 누군가 나의 어린 시절과 정교한 제조 사이의 관계를 규정하기 전까지는 이것에 별로 관심이 없었다.
이후 나는 9개월 동안 공장에서 노동자로 일하기 시작했고, 곧바로 시간과 돈의 본질적인 관계에 직면하게 되었다. 모든 행동이 꼼꼼하게 계산되고 기록되고 평가되는 곳이기 때문이다.
공부를 하는 몇 달 동안, 거의 매일 가구를 만들기 위해 수업 사이의 남는 시간을 부업 시간으로 이용했다. 15분 안에 의자를 만들고, 14분 안에 탁자를 만들고, 13분 안에 화장실을 다녀오고, 작업장에서 찾을 수 있는 쓰레기로 시간 내에 일하는 것은 흥미로웠지만 환경이 매우 제한적이여서 전혀 좋아 보이지 않았고, 잘 세워지지도 않는 모습이었다. 그러나 매우 빠른 단계를 거쳤던 제작의 경험으로 내가 만든 대부분의 물건에 대해 이야기할 수 있었다. 또한 나는 이런 방식으로 일하는 것이 가장 고무적인 일임을 알았다.
프로젝트가 시작된 지 몇 달 후, 중국에서 레지던트 생활을 하던 중 어느 미술품 상점에서 찰흙을 발견했다. 나중에 우연히 의자 위에 점토를 사용함으로써 나는 가능한 한 빨리 작업할 수 있는 일련의 덮인 가구들을 만들었다.
프로젝트의 이면에 있는 아이디어는 무엇이며, 이것을 통해 소통하고 싶은 것은 무엇인가?
제조는 대량생산의 증가에 대한 물리적 반응이며, 표현을 허용하지 않는 집단적, 인격적 정체성의 함양에 힘쓰는 것이다. 이것은 우리가 사물을 소중히 여기는 전통에 도전한다. 품질은 생산 시간 및 원가와 상관되며, 구성 자원이 아니기 때문에 설계 자체는 독특할 것이다.
Minute Manufacturer는 이 개념을 중심으로 디자인을 제안한다; 시간과 돈에 대한 우리의 강박관념을 강조하기 위한 상징의 역할을 하는 디자인이다.
사람들은 당신의 물건과 작업에 어떻게 반응하는가?
의심할 여지없이 무엇보다 그것들은 사람들을 행복하게 만들었으며, 물건들은 나의 크리에이티브를 번역했고 사람들은 그것을 느낄 수 있었다. 그리고 나서 그것은 또한 재료와 제조 과정에 대해서도 궁금해하게 만든다.
원하는 물체와 용기는 어떻게 선택하는가? 색깔은?
우선 점토 자체로 시작하는데, 매우 화려하고 선명한 컬러이다. Minute Manufacturing 프로젝트는 색과 무늬를 중심으로 진행되지만 가장 중요한 것은 일상적(잊혀진) 사물에 재미를 불어넣는 것이다.
아직 점토로 덮지 않은것 중 작업하고 싶은 물체는?
지난 몇 년 동안 나는 의자에서 문간까지, 심지어 비엔나에 있는 화재 대피 계단에 이르기까지 많은 물건들을 점토로 덮었다. 최근 안락의자를 만들었지만 벽과 내부에 있는 모든 물건까지, 모든 공간을 다 덮어보고 싶다.
당신은 스스로를 디자이너나 장인으로 생각하는가?
나는 대부분 내 본능과 흐름에 의존하며, 나와 주변과의 상호작용(주변에 어떤 종류의 재료가 있는가, 내가 접근할 수 있는 도구)으로 간주하고 싶다. 어떻게 보면 한정적 일 수 있는데, 작업에 많은 기술을 필요로 하기 때문이다. 그러나 내가 사물을 고안해내고 창조하는 방법은 확실히 디자이너로서가 더 맞는것 같다.
당신은 새로운 프로젝트를 하고 있는가?
불행히도 지금은 말할 수 없지만 계속 업데이트 해주겠다.
출처 : Trendland.com
신문 1면의 한장은 아주 인상적이어서 그 시대를 대표하는 상징성이 있었으며, 우리는 이제 그 목록에 전주 금요일의 뉴욕 타임즈를 추가할 수 있다. 그것은 일면 전체를 덮었던 엄청난 실직의 차트를 특징으로 한다.
타임즈는 신문 1면에 실린 중요 부동산 칼럼을 미국에서 코로나바이러스 대유행의 실업수당 청구액이 얼마나 급증했는지를 보여주는 그래픽 요소와 결합했다. 이 그래프는 2000년부터 시작된 노동부의 주별 실업수당 청구 건수를 페이지 왼쪽부터 오른쪽으로 진행하며 보여준다. 시각적으로, 대부분의 데이터는 페이지의 한칸을 넘지 않으며 주간 실업수당 청구 건수는 2008-09년 경기 침체 기간인 2009년 3월 28일 665,000건이었다. 그러나 이 데이터 포인트는 다른 헤드라인들을 지나 페이지의 오른쪽 위까지 330만 건 가까이 올라간다. 그것은 약 5배나 더 많고 이전의 최고 실업수당 수준보다 훨씬 높은 것이다.
치솟는 실업수당 청구는 미국의 위기가 얼마나 극명하고 정부의 대응이 얼마나 극심했는지를 시각적으로 명확히 보여준다. 다른 나라들은 고용주들을 지원함으로써 직원들을 계속 고용하는 것을 돕고 있지만 미국은 그렇지 않다. 미국 상원에서 경제에 대한 전례 없는 타격을 상쇄하기 위한 경기부양 법안을 막 통과시켰지만, 어려움을 겪고 있는 국민들에 대한 혜택은 다른 국가들의 정책들에 비하면 일시적인 반창고 수준이다.
출처 : fastcompany.com
독일의 디지털 아티스트 ‘티모 헬거트’는 자연을 되찾은 일련의 장소들을 연속적으로 작업하였다. 지하철안이나 밀라노의 유명한 명품 쇼핑 공간 비토리오 마누엘레 2세 갤러리아에 펼쳐진 잔디밭에서 천천히 걸어갈 수 있다.
바이러스의 영향으로 세계가 격리되는 동안 이러한 아이디어가 떠올랐고, 그 결과 인스타그램에서 이 영상들이 이틀만에 1M 이상의 조회수를 기록하며 유행하게 되었다. 그의 놀라운 CGI 작업과 곧 나올 그의 Nature 시리즈가 궁금하다면 그의 인스타그램 @vacade를 확인해보자.
출처 : Trendland.com
코로나 바이러스의 확산에 대처하기 위한 여러 나라의 격리기간이 길어짐에 따라, 예술가들은 그들의 크리에이티브를 질명 예방의 메시지로 바꾸었다.
온라인에서, 주요 사건들과 위기는 밈으로 변하는 데 결코 오래 걸리지 않았다. 그리고 우리가 오늘 겪고 있는 위생적인 비상사태는, 아티스트들과 함께 유명한 프레스코 아담의 창조의 변형에서 처럼 함께 소독젝 병, 라텍스 장갑, 보호복 등... 상징물들이 여러곳에서 발견된다.
그것이 우리가 사물을 균형 있게 바라보는데 도움이 되든, 뉴스를 비웃든, 위생과 구속의 규칙을 존중하도록 강요하든간에 아티스트들은 유머러스한 시각과 기분 전환으로 이 위기를 극복한다.
출처 : Trendland.com
최근들어 더욱 그렇듯이, 이제 패션쇼의 역할은 단지 그 시즌의 옷들을 바이어와 대중들에게 선보이는 것일 뿐만아니라, 현재 브랜드의 DNA를 표현하는 일종의 성스러운 의식으로 변모하였다.
여기에 ‘임프레션 닷컴’이 선정한 2020 가을 컬렉션 최고의 무대 연출쇼를 소개하며, 여러분들 역시 이들의 의견에 200% 공감하게 될 것이라 예상한다.
아이보리 코스트 디자이너 ‘오플레루 그레베트’가 작년부터 이어온 재미있는 디자인 프로젝트는, 아프리카 문화의 다양성을 보다 충실히 표현하기 위해 아프리카 대륙 모든 범위의 이모티콘을 창조하는 작업이다.
정확히 말하면, 프로젝트 "Zouzoukwa"에는 아프리카의 문화적, 역사적 유산을 상징하는 아이템들이 1년 매일 365개의 이모티콘으로 표현되어 있다.
이 365개의 WhastApp 스티커들은 당신은 앱 스토어와 구글 플레이에서 다운로드 할 수 있다.
출처 : Trendland.com
당신은 현재 어디에 투자해야 할지 모르는 기업들과 마케터들이 소셜미디어에 더이상 열광하지 않는다는 것을 알아야 한다. 그리고 인플루언서들은 그들의 삶을 지켜보고 라이크하기 때문에 그들 모두가 슈퍼 스타라고 생각한다.
여기 인스타그램 전체에 퍼진 또 다른 이야기가 있다. 에지있는 작업을 보여주는 Garage Magazine은 예술가 Maurizio Cattela와 포토그래퍼이자 아트디렉터인 Campbell Addy와 함께 이 흥미로운 화보를 촬영하기 위해 협업하였다.
그들은 유명인 인플루언서 Kendall Jenner를 Maurizio 조각품처럼 재현했다. 그리고 그녀의 팔로워들이라면 많은 사람들에게 이 작업이 보여질 것이라고 확신하며, Garage Magazine을 구입하려 할 것이다.
출처 : Trendland.com
‘Invisible Realm’은 비주얼 아티스트와 크리에이티브 디렉터 ‘펠리페 포사다’의 크리에이티브 에이전시이다. 주로 CGI, 애니메이션, 디지털 콜라주로 작업하는 그의 작품들은, 스캔한 빈티지 광고와 크리에이티브 이미지, 다양한 텍스처, 오리지널 사진, 3D와 같은 다양한 자료들을 종합한 것이다.
여기에 있는 것들은 그의 개인적인 프로젝트인 것처럼 보이는 매우 비주얼적이고 빈티지한 믹스미디어 시리즈에 초점을 맞추었다. 더 많은 영감을 얻기 위해 그의 포트폴리오를 꼭 살펴보길 권장한다.
출처 : Trendland.com
2016년, 우리는 로스 앤젤레스 출신의 아티스트 ‘매튜 그라벨스키’의 재미있는 '동물 지하철' 그림을 소개했다. 그리고 매튜는 지난 4년 동안 계속해서 동물 인간 시리즈를 작업하였고, 최근 또 다른 그의 작품이 발표되었다.
맞은편에 앉아 있는 사람들의 모습이 창문으로 반사되어 보이는 것도 주의깊게 살펴보자. 개인적으로는 팬더와 헬로 키티 티셔츠를 입은 엄마 고양이가 가장 맘에 든다.
출처 : Trendland.com
뉴욕 출신의 예술가 ‘다니엘 아르샴’은 현재 갤러리 페로틴에서 그의 "파리, 3020" 전시회에서 안을 들여다 볼 수 있는 작품들을 전시하고 있다.
"파리, 3020"은 고대의 상징적인 작품들을 바탕으로 한 대형 조각품을 전시하는 작가의 픽션 고고학 시리즈의 연장선이다. Arsham은 Perrotin의 언론에서 밝힌 바와 같이, "유럽의 주요 박물관의 걸작을 재현한 200년 된 프랑스 몰딩 아틀리에"의 접근을 허가받음으로써 이것을 만들어냈다.
출처 : Trendland.com
패션과 라이프스타일 브랜드를 위한 크리에이티브 그룹
DOOR CREATIVE | WeWork 323, Samil-daero, Jung-gu, Seoul, South Korea
